Straßenszenen aus New York, schwarzweiß im Breitwandformat: ein Genuss für Cineasten. Die Reste eines Fastfood-Dinners, giftige Farben: beste Trash-Ästhetik. Das Werbeplakat am Highway unter dahinziehenden Wolken am blauen Himmel: Ein nüchternes Dokument, das Romantikern gefallen dürfte. Oder gestochen scharfe Porträts schrundiger Baumstämme: Naturliebhaber werden begeistert sein. Es ist für jeden etwas dabei im Lebenswerk des Fotografen Stephen Shore. Aber wo bleibt – wo es doch um eine Retrospektive geht – die charakteristische Handschrift?

Stephen Shore: "Ich unterscheide zwei Gruppen von Fotografen: diejenigen, die von einer einzigen Idee über Jahrzehnte vorangetrieben werden, wie Atget oder die Bechers. Und andere, die sich in unterschiedlichen Stilphasen immer wieder neu erfinden.

Dieses "Wiedererfinden", diese Entdeckerlust hat auch Stephen Shore geprägt – und macht seine Ausstellung zum seltenen Glücksfall einer wirklich anschaulichen Foto-Geschichte: Mit ganz unterschiedlichen Herangehensweisen hat er das Wesen, die Natur des Mediums erkundet, durch praktischen Gebrauch. Daher die Brüche, die krassen Stil-Wechsel im Bilderparcours – der sich nicht im sonst so beliebten Aneinanderreihen sogenannter "Ikonen" erschöpft. Stattdessen geht es um eine Grammatik der Fotografie, um formale Qualitäten wie Bildaufbau, Farbabstufungen, Ausschnitte. Um den Betrachter einzuweihen in das Geheimnis dieser Bilder, den besonderen "Dreh", Stephen Shores "spin":

Gefühle, die durch die Gestaltung eines Motivs hervorgerufen werden – damit hat dieser Fotograf experimentiert, beharrlich, in langen Versuchsreihen. Und gegen alle Konventionen. Etwa gute Ratschläge von einem Pionier der modernen Schwarzweiß-Fotografie:

1971, mit der Ausstellung seiner Konzept-Serien im Metropolitan Museum hatte eine wichtige Schwarzweiß-Phase ihren Abschluss gefunden, da spürte Shore den Reiz der bis dahin als kitschig geltenden Farbfotografie. Ausgehend von der Frage, warum ein und dasselbe Motiv als Postkarte oder gerahmt an der Museumswand ganz unterschiedliche Reaktionen hervorruft:

Vor allem als Farbfotograf machte Shore von sich reden. Den "ersten Preis für das scheußlichste ungemachte Bett" wollte ein Kritiker ihm verleihen – weil er am Motiv, dem Inhalt, der "Geschichte" klebte. Aber darüber war die Fotografie längst hinaus: Es ging um die Kunst, auf einer zweidimensionalen Bildfläche diesen ganz besonderen räumlichen Eindruck hervorzurufen. Insbesondere bei städtischen Szenerien, in New York ebenso wie in den Suburbs, von Washington bis Amarillo, Texas. "Uncommon places", ungewöhnliche Orte heißt diese Werkphase – aus der sich dann die nächste Herausforderung ergab, fotografieren in der Wüste:

Was Martha Daho und Felix Hoffmann, die Kuratoren, mit über 300 Fotografien aufblättern, das ist ein visueller Erfahrungsschatz: über Jahrzehnte gewachsen, aber sprunghaft, in Entwicklungsschüben. Und die werden von Stephen Shore nicht theoretisch erklärt, sondern einfach bebildert. Auch für den Fotografen eine im besten Sinne "lehrreiche" Retrospektive:

Farbaufnahmen mit der 8x10-Stativkamera waren Anfang der 70er sündhaft teuer. Jede einzelne Einstellung musste Stephen Shore in seiner Vorstellung durchspielen, bevor er auf den Auslöser drückte. Ein heilsamer Zwang, eine produktive Beschränkung. Ebenso die Prämisse, keine Ausschnitte zu machen oder nichts digital hinzuzufügen. Deshalb darf man der Oberfläche trauen – und sich vor allem der Mühe und dem Vergnügen hingeben, darunter mehr zu entdecken: